Nell’ultimo anno mi sono dedicata a qualcosa di nuovo.

Ho iniziato a lavorare, insieme a Riccardo — amico e collega — a laboratori fotografici educativi per persone con disabilità.

È stato un cambio radicale, ma allo stesso tempo naturale.

Radicale perché fino ad allora non avevo mai avuto vere esperienze di insegnamento, se non qualche incontro sporadico in piccole realtà.
Naturale perché ho unito due elementi che fanno parte di me da sempre: la fotografia e l’ascolto.

In realtà, questo passaggio non è nato dal nulla.

Negli ultimi anni avevo già iniziato a lavorare sulle storie degli altri attraverso progetti come “Donne di Crema”, “Anche io… con te” realizzato per Anffas Crema e, più in generale, attraverso il ritratto fotografico.

A un certo punto ho sentito il bisogno di spingermi ancora più in là: creare un’esperienza in cui l’ascolto fosse centrale e il ritratto solo una conseguenza.

È da lì che è nato “Ritratti in ascolto”, un progetto personale che porto avanti ancora oggi e che ha cambiato profondamente il mio modo di lavorare.

Da lì ai laboratori il passo è stato breve.

Negli ultimi mesi questo lavoro ha iniziato a strutturarsi sempre di più, prendendo forma anche in uno spazio dedicato ai laboratori, dove raccontiamo meglio quello che stiamo costruendo.

È stato come dare forma concreta a qualcosa che sentivo già mio.

Com’è stato iniziare?

Curioso, stimolante, ma soprattutto molto umano.

Mi sono trovata in ambienti in cui vieni accolta con un sorriso fin dal primo incontro. Ambienti in cui non vieni giudicata.

I ragazzi con cui ho lavorato sono spontanei, immediati: se gli piaci, te lo fanno capire senza filtri.

Il primo incontro è sempre quello dell’osservazione — loro studiano te, ma nel farlo riescono comunque a farti sentire nel posto giusto.

E questa, per me, è stata una delle scoperte più forti.

Nei centri in cui sono stata non mi sono mai sentita fuori posto.
Anzi, mi sono sentita accolta.

Non è una sensazione così scontata oggi.

La sfida (vera) è stata un’altra

Dal punto di vista professionale, è stato un cambio netto.

Ero abituata a parlare di fotografia senza preoccuparmi troppo della complessità dei concetti.
Qui invece ho dovuto fare un lavoro diverso: semplificare.

Semplificare davvero.

Non banalizzare, ma trovare un modo per rendere accessibili anche i concetti più astratti.

La prima esperienza — in un centro specializzato per ragazzi nello spettro dell’autismo — è stata fondamentale.
Il confronto con la pedagogista e le educatrici ci ha permesso di costruire un metodo, capire come mantenere l’attenzione, come modulare tempi e linguaggio.

E soprattutto, mi ha insegnato una cosa che non avevo mai considerato davvero:

non c’è fretta.

Ognuno ha i propri tempi per comprendere, sperimentare, fare proprio un concetto.

All’inizio è stato destabilizzante.
Siamo abituati a correre, sempre.

Poi però succede qualcosa.

Rallenti — e inizi a vedere meglio.

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Durante uno dei laboratori ho incontrato un ragazzo — lo chiamerò Paolo.

È nello spettro dell’autismo, molto chiuso. Non cerca il contatto, non dà confidenza facilmente.
È uno di quei ragazzi che osservano molto, ma restano sempre un passo indietro.

Quel giorno avevamo lavorato sulle emozioni.

A fine lezione, mentre stavamo sistemando, mi si è avvicinato.

Senza dire nulla, mi ha abbracciata.

Sono rimasta ferma, sorpresa.
Sapevo che per lui il contatto fisico non è qualcosa di naturale, anzi.

È stato un gesto semplice, ma completamente inaspettato.
E proprio per questo, fortissimo.

In quel momento ho capito che qualcosa era arrivato.

Osservi di più, ascolti davvero, cogli dettagli che prima ti sfuggivano.
Vedi come l’altro affronta una difficoltà, come trova una soluzione, come interpreta quello che gli proponi.

Ed è lì che cambia tutto.

Quando diventano autori

Una volta trovato il metodo, portarlo in altri contesti è stato naturale.

Persone diverse, età diverse — ma una costante: lo stupore.

I sorrisi quando vedono le loro fotografie.
La sorpresa di aver creato qualcosa.

E tu ti ritrovi dentro a quella gioia.

È difficile spiegarlo, ma è molto concreto: ti senti parte di qualcosa.

Forse è proprio questo il punto.

Nel momento in cui a queste persone viene data la possibilità di essere autori — e non solo soggetti — si apre uno spazio nuovo.

Si esce da uno stereotipo ancora molto presente: quello della persona con disabilità vista solo “dall’esterno”.

Attraverso la fotografia, invece, emerge uno sguardo.
Fatto di colori, geometrie, intuizioni.

Un modo di vedere il mondo che non è “diverso” in senso riduttivo, ma semplicemente altro.
E incredibilmente ricco.

Alla fine, forse, non sto insegnando fotografia.
Sto imparando, ogni volta, un modo nuovo di guardare.

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In questi giorni mi sono fermata, un po’ sopraffatta da tutto quello che mi ha attraversata negli ultimi mesi. Ho raggiunto un punto in cui mi sento fiaccata dai continui colpi arrivati su diversi fronti, personali e professionali.

Quando arriva il blocco creativo nella fotografia

In questo stop quasi obbligato sono stata travolta da pensieri e sensazioni. Da un lato la grinta di non voler mollare, dall’altro il bisogno di rallentare e respirare per capire in che direzione muovermi.

Tutto è diventato faticoso, tutto sembra bloccato, e trovare una via d’uscita non è sempre facile.
È uno di quei momenti che, per chi lavora nella fotografia, assomigliano molto a un blocco creativo: quando le idee si affievoliscono e anche le energie iniziano a mancare.

Un anno di progetti fotografici e crescita

Nell’ultimo anno e mezzo ho lavorato tanto, in contesti nuovi che mi hanno messa alla prova e dato stimoli importanti, facendomi fare un passo avanti nella crescita professionale e personale. Ed è, senza dubbio, ciò che amo di più del mio lavoro.

Per un caso del destino, a gennaio 2025 avevo lanciato un corso online e, grazie a questo, sono rientrata in contatto con un vecchio compagno di liceo, grande amante della fotografia. Ci siamo trovati a un tavolino di un bar per fare due chiacchiere e da lì è iniziata una collaborazione che continua tutt’ora.

Abbiamo unito idee e forze, perché il mondo professionale della fotografia richiede entrambe: visione, energia e la capacità di trovare continuamente nuove strade.

Collaborazione e fotografia: trovare nuove strade

Ammetto che, dopo qualche anno difficile anche per motivi personali, la mia vena creativa si era affievolita. Avevo bisogno di aria nuova.

Ritrovarsi in due a pensare, costruire e confrontarsi ha reso tutto un po’ più leggero. La stanchezza si divide, proprio come il peso sulle spalle. Il confronto costante aiuta a guardare le cose da prospettive diverse, e non solo dalla propria.

Da tutto questo è nata una collaborazione molto proficua, che continua ancora oggi.

Abbiamo dato vita a nuovi progetti fotografici nel campo del sociale, per poi allargarci all’ambito scolastico e al mondo degli anziani nelle RSA.

Tra progetti fotografici e difficoltà: quando arrivano i “no”

Dopo più di un anno intenso, fatto di trasferte, call, e-mail e ore davanti al computer, siamo in un momento di svolta. Fino a ieri avrei detto di stallo, perché mi sentivo abbattuta dalle notizie negative ricevute nelle ultime settimane.

Era come fare un primo passo su una strada e trovarsi subito davanti a un muro invalicabile. Cambiare direzione, riprovare, e ritrovarsi ancora nello stesso punto. Un loop.

Ripartire dopo un blocco creativo

Oggi, mentre scrivo queste righe, voglio provare a guardare questo stop in modo diverso. Non come un blocco, ma come una svolta.

I “no” ricevuti non voglio più vederli come una fine, ma come un punto da cui ripartire. Forse sono solo un segnale che mi sta portando verso una strada che ancora non conosco.

Voglio provare a ritrovare un po’ di ottimismo, un po’ di energia che ultimamente è mancata. E lo scrivo proprio oggi, dopo aver ricevuto l’ennesima brutta notizia. Una di quelle che, purtroppo, non hanno soluzione, ma solo un brutto epilogo.

Fermarsi fa parte del processo creativo

Non so nemmeno io dove troverò le forze per ripartire. Ma so che non è ancora il momento di mollare. “Mollare” non è una parola che mi appartiene, anche se a volte si avvicina e prova a farsi spazio.

Se ora mi fermo, se resto in silenzio, è solo perché ho bisogno di ritrovare le energie per ripartire con uno slancio diverso.

Lo scrivo più per me che per chi passa di qui. Credo che, a volte, mettere nero su bianco i propri pensieri sia il modo più onesto per affrontarli e renderli reali.

I prossimi progetti fotografici

Nei prossimi pensieri darò spazio ai progetti fotografici realizzati in quest’ultimo anno. Non per mostrare ciò che ho fatto, ma perché credo che le storie e le tematiche che ho incontrato meritino attenzione.

Se vorrai restare a leggermi, mi farà piacere.
E se ti va, fammi sapere che ci sei.

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Nel precedente articolo ti ho introdotto il mio nuovo progetto fotografico: “Ritratti in ascolto”, un progetto aperto a tutti — uomini, donne, giovani, adulti — pensato per creare uno spazio dove fermarsi, guardarsi e ascoltarsi davvero. Per partecipare non è necessario avere esperienza con i ritratti o sentirsi particolarmente “pronti”: l’importante è esserci, così come si è. Avendo ricevuto alcune domande riguardo al progetto ho pensato di raccogliere le risposte in un articolo dedicato.

Come funziona

Ci incontriamo in uno spazio tranquillo (un bar, una panchina del parco, ecc…), senza pose forzate o aspettative. Durante l’incontro:

• ti ascolto, con attenzione e senza giudizio;

• ti ritraggo in modo naturale e sincero;

• ti invito a lasciare una frase personale sul tema dell’ascolto o qualcosa che senti dentro. Puoi scriverla anche a casa e inviarmela via email o messaggio.

Il risultato è un ritratto autentico, accompagnato dalle tue parole, che racconta qualcosa di te in modo semplice e vero.

Durata e prezzo

• Durata: circa 60 minuti

• Costo: 30 €

Cosa ricevi:

• un’ora tutta per te, in cui qualcuno ti ascolta davvero;

• il tuo ritratto in digitale;

• la partecipazione a una futura mostra collettiva;

• una stampa in piccolo formato del tuo ritratto, che riceverai al termine della mostra.

Il prezzo simbolico è pensato per rendere l’esperienza accessibile a chiunque, senza diventare una barriera. Dietro ai 30 € c’è tempo, cura, ascolto e professionalità: non è solo una foto, ma un momento dedicato a te.

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Superare dubbi e paure

Farsi ritrarre può far emergere dubbi o timori. In “Ritratti in Ascolto” non ci sono maschere, pose forzate o giudizi. Alcuni dei dubbi più comuni:

• Paura di non piacersi: il ritratto nasce in modo naturale e sincero; spesso chi partecipa rimane piacevolmente sorpreso.

• Non voglio raccontare la mia storia: non è obbligatorio condividere dettagli della vita privata. Basta essere presenti, anche in silenzio.

• Non mi sento speciale: il ritratto non richiede “specialità”, ma il desiderio di guardarsi con sincerità.

• Non so cosa scrivere: anche poche parole, un pensiero semplice o un silenzio possono raccontarti.

Prepararsi per il ritratto

Non serve una preparazione particolare. L’importante sei tu, naturale e a tuo agio:

• indossa ciò che ti fa sentire bene;

• trucco leggero se lo desideri, ma non è obbligatorio;

• evita colori fluorescenti o nero intenso se possibile, ma per il resto libera scelta a colori e stampe;

• accessori sì, se ti aiutano a esprimere la tua personalità.

Flessibilità e accessibilità

Gli incontri sono flessibili e organizzati su appuntamento. La partecipazione è aperta a tutti, senza selezione, e include la futura mostra con i materiali raccolti. Puoi partecipare anche senza mostrare il tuo nome: i pensieri lasciati in mostra possono essere anonimi.

Perché partecipare

“Ritratti in Ascolto” non è solo una fotografia: è un momento di introspezione, ascolto e presenza, che ti permette di guardarti con occhi nuovi e lasciare una traccia di te in un progetto collettivo. Anche chi di solito non si fa fotografare o pensa “non fa per me” può trovare un’esperienza sorprendente e significativa.

Prenota il tuo ritratto

Vuoi vivere questa esperienza? Puoi prenotare il tuo Ritratto in Ascolto, un’ora dedicata a te, in cui fermarti, respirare e lasciarti guardare con autenticità.

Per prenotazioni, scrivi a moni@monimix.com

Un ritratto è più di una foto: è un’esperienza da vivere con leggerezza e attenzione, per scoprire qualcosa di nuovo su te stesso.

Iscriviti ora

Oggi ti presento un nuovo progetto a cui sto lavorando: “Ritratti in ascolto”

“Ritratti in ascolto” nasce dal desiderio di restituire alla fotografia la sua dimensione più autentica: quella dell’incontro.

Un incontro che non ha a che fare con la posa o con l’immagine perfetta, ma con la verità del momento, con ciò che accade quando qualcuno si concede davvero di essere visto.

È un progetto che unisce la fotografia di ritratto a un’esperienza di ascolto attivo e presenza. Ogni incontro è unico: una persona, una storia, un tempo condiviso. Prima ancora di scattare, c’è spazio per la parola, per il silenzio, per la possibilità di fermarsi e guardarsi con occhi nuovi.

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Come funziona

Ogni ritratto nasce da una conversazione.

Ci si incontra, si parla, ci si ascolta. Non c’è fretta né copione. La macchina fotografica entra in scena solo quando arriva quel momento in cui l’altro si mostra davvero, anche solo per un istante. È lì che nasce la fotografia.

Non serve “essere pronti”, sentirsi nel proprio giorno migliore o avere le idee chiare su come si vuole apparire.

Anzi, spesso i ritratti più intensi nascono proprio nei momenti in cui ci si sente fragili, incerti, disallineati.

“Ritratti in ascolto” è un invito a portare anche quella parte di sé: quella che di solito nascondiamo dietro un sorriso di circostanza o uno sguardo controllato.

Da dove nasce

Il progetto nasce dall’idea di fondo che ha dato forma a Donne di Crema, ma in una versione più snella, più libera e accessibile a tutti (NON solo alle donne).

Ho sentito il bisogno di creare uno spazio dove la fotografia potesse continuare a essere incontro e condivisione, ma senza l’obbligo di raccontare la propria storia.

La persona davanti a me può scegliere di parlare o restare in silenzio. Non c’è nessuna necessità di entrare nei dettagli della propria vita: basta esserci, così come si è.

“Ritratti in ascolto” è aperto a tutti — giovani, adulti, anziani — senza selezione.

Dettagli

A ciascuno dedico un’ora di tempo: un’ora in cui ti ascolto e ti fotografo.

È richiesto un piccolo contributo di 30€, che serve a sostenere il progetto e la mostra collettiva che realizzerò il prossimo anno con i materiali raccolti.

Ogni partecipante sarà invitato a lasciare un proprio pensiero: qualcosa sul tema dell’ascolto, o semplicemente qualcosa che ha dentro e vuole dire.

Non è obbligatorio firmarsi: in mostra, i biglietti potranno restare anonimi, come piccole tracce di sé lasciate nel mondo.

Prenota il tuo ritratto

Se senti il desiderio di vivere quest’esperienza, puoi prenotare il tuo “Ritratto in ascolto”.

Un’ora solo per te, per fermarti, respirare, e lasciare che la fotografia diventi uno spazio di ascolto e verità.

Per prenotare: scrivimi all’indirizzo moni@monimix.com

Gli incontri si svolgono su appuntamento.

Mi ha fatto pensare a quanto le immagini, nel corso della nostra vita, abbiano il potere di definirci. Ci educano, spesso senza che ce ne accorgiamo. Il cinema, la pubblicità, le copertine dei giornali: tutto contribuisce a dirci chi dovremmo essere, come dovremmo apparire, cosa dovremmo desiderare. È un linguaggio silenzioso ma costante, che ci modella più di quanto crediamo.

Per decenni, la figura femminile è stata rappresentata come corpo da guardare, più che come presenza da ascoltare. La donna bella ma muta del cinema classico, la casalinga sorridente delle pubblicità anni ’60, la ragazza perfetta delle riviste patinate. Anche quando sembrava protagonista, era spesso un personaggio costruito a misura di sguardo maschile. L’obiettivo, in fondo, non la raccontava: la consumava.

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Oggi potremmo illuderci che tutto sia cambiato. E in parte è vero: l’avvento dei social media ha moltiplicato i punti di vista, ha dato voce a chi non l’aveva, ha permesso a molte donne di raccontarsi fuori dagli schemi tradizionali. Ma allo stesso tempo ha generato nuove gabbie, più sottili e più pervasive.

L’immagine che i social ci propongono è spesso una finzione ben confezionata: corpi filtrati, vite perfette, esistenze calibrate sul consenso degli altri. Si è passati da un immaginario imposto dall’alto – cinema, televisione, pubblicità – a uno che sembra libero, ma che finisce per essere altrettanto condizionante. Perché oggi siamo noi stesse a diventare prodotto, a gestire il nostro corpo e la nostra identità come fossero un brand.

Da fotografa, ho imparato quanto lo sguardo sia una responsabilità. Fotografare significa scegliere come raccontare qualcuno – e di riflesso, come raccontare il mondo. Mi accorgo che, ogni volta che sollevo la macchina fotografica, sto prendendo posizione: decido se ripetere l’immagine che ci è stata insegnata, o provare a crearne una nuova.

Per me, la fotografia è questo spazio fragile e necessario in cui si può disimparare. Dove l’immagine non serve a compiacere, ma a comprendere; non a idealizzare, ma a restituire verità. Nei miei ritratti, soprattutto nei progetti come Ritratti in Ascolto o Donne di Crema, cerco proprio questo: permettere a chi si mostra di essere guardata non come oggetto, ma come presenza viva, complessa, autentica. È un lavoro lento, che richiede fiducia e ascolto, ma è anche una forma di resistenza.

Perché il problema non è solo chi ci guarda, ma da dove guardiamo noi. Siamo cresciuti in un mondo che ci ha mostrato modelli prefabbricati, e oggi abbiamo il compito – e il diritto – di crearne di nuovi. Immagini che non abbiano bisogno di essere perfette, ma vere. Che sappiano contenere la fragilità, l’età, la differenza, il silenzio.

Diane Keaton, con la sua eccentricità sobria e la sua coerenza, ci ha ricordato che si può restare se stessi anche quando tutto intorno ti spinge a diventare altro. Forse è questo il punto: imparare a riconoscere le immagini che ci hanno insegnato chi dovevamo essere, per iniziare finalmente a costruire quelle che raccontano chi siamo davvero.

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Quando la fotografia diventa uno specchio dell’anima

Ci sono momenti in cui la voglia di mostrarsi lascia spazio al bisogno di ascoltarsi.
Non sempre ci sentiamo “al meglio” e, proprio in quei periodi, evitiamo la macchina fotografica: come se potesse svelare troppo.
Eppure, è proprio allora che un ritratto può diventare uno strumento potente — un modo per vedersi davvero, accogliendo ciò che si è, senza filtri.

Una frase che mi ha risuonato dentro

Una counselor mi ha raccontato di una paziente che le aveva detto:

“Non riesco a farmi fotografare, perché non voglio vedere che non sto bene.”

Quella frase mi è rimasta addosso.
Mi ha fatto pensare a quante volte, dietro un “non mi piace farmi fotografare”, si nasconda qualcosa di più profondo del semplice “non mi piaccio”.
A volte non è una questione estetica, ma emotiva: non vogliamo vederci, perché sappiamo che quello che vedremmo non ci piacerebbe — la stanchezza, la preoccupazione, la delusione, il vuoto.
In certi periodi, anche un ritratto può sembrare uno specchio troppo onesto.

Il mio periodo grigio

Forse mi ha colpita così tanto perché anch’io sto vivendo un periodo che definirei grigio:
non nero, ma pesante, senza slanci.
Mi sento appesantita, probabilmente dallo stress degli ultimi anni.
Cerco di reagire, di guardare alle cose belle, ma a volte non basta.
Ascolto me stessa, e ciò che sento — a volte — è il vuoto.
Un’immobilità che mi ancora a terra, una stanchezza che si riflette anche nel corpo.

Per questo capisco chi non vuole mostrarsi quando non sta bene.

Scegliere di mostrarsi comunque

Eppure, qualche giorno fa, ho deciso di farlo.
Mi sono messa davanti alla fotocamera, senza filtri.
Ho fotografato la mia stanchezza, gli occhi spenti, le occhiaie scure.
Mi vedo bella? No.
Ma quella foto ha un senso: è la testimonianza di un momento difficile, e della mia scelta di fermarmi e ascoltarmi.
Non è un ritratto “bello” o “valorizzante”, ma trova forza nella sua autenticità.

L’autenticità come scelta

Ho pensato a un racconto di Vasco Rossi, quando da ragazzo scrisse un tema libero raccontando come si sentiva: spiazzato e svuotato.
Il suo professore lo lesse davanti a tutti perché era autentico.
E da quel momento Vasco scelse di continuare a esserlo, sempre.

Anch’io oggi scelgo questo: essere autentica.
Prima di essere fotografa, sono una persona che conosce la stanchezza e le incertezze.
So quanto sia difficile mostrarsi quando non ci si sente “presentabili”.
Ma credo che siano proprio quei segni — occhiaie, rughe, sguardi spenti — a renderci umani e veri.

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Il ritratto come incontro

La fotografia, in questi momenti, deve imparare a rallentare.
A farsi spazio di ascolto, non di performance.
Spesso chi arriva davanti all’obiettivo porta un sorriso di circostanza e un piccolo tremolio negli occhi che dice: “Non so se ce la faccio.”

E allora non scatto subito.
Si parla, si respira, si costruisce fiducia.
Perché il ritratto non è una prova da superare, ma un incontro.
E per potersi mostrare, bisogna prima sentirsi accolti.

Consigli per chi vuole fotografarsi nei momenti difficili

Se stai attraversando un periodo “grigio” e l’idea di una foto ti spaventa, prova così:

1. Non forzarti a sorridere: parti da come ti senti davvero.

2. Scegli un fotografo con cui ti senti in sintonia, più empatico che tecnico.

3. Parla prima dello scatto: racconta come stai e cosa temi.

4. Guarda le foto con gentilezza, senza giudizio.

5. Non pensare al risultato, ma al processo: l’obiettivo non è “uscire bene”, ma esserci.

A volte la fotografia non deve mostrare la luce, ma accogliere le ombre.
E proprio quando non stiamo bene, una foto può diventare un atto di coraggio: il gesto di chi sceglie di guardarsi, nonostante tutto.

L’autenticità come forma di bellezza

Ed è questo, in fondo, il cuore dei miei Ritratti in Ascolto:
un tempo sospeso in cui non si deve “venire bene”, ma solo esserci.
Dove l’obiettivo diventa uno strumento di ascolto e la fotografia un modo per ritrovarsi.
Un piccolo spazio di verità, dove possiamo finalmente guardarci — non per giudicarci, ma per riconoscerci.

Ti va di raccontarmi la tua esperienza?

Hai mai scelto di farti fotografare in un periodo in cui non ti sentivi al meglio?
Scrivimi nei commenti o in privato: mi piacerebbe ascoltarti.

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Lo so, detto così sembra strano. Molti miei colleghi storcono il naso davanti alle foto di gruppo: le trovano noiose, caotiche, troppo “rigide”. Quelle in cui tutti si mettono in fila, come se fosse un dovere più che un piacere. Così, spesso, nei loro portfoli non le vedete nemmeno: non sono abbastanza glamour o “aesthetic”, come si dice oggi.

Negli ultimi vent’anni, infatti, la fotografia di matrimonio ha seguito due grandi filoni:

• da un lato il reportage, che racconta la giornata con uno sguardo spontaneo,

• dall’altro la versione patinata, elegante e perfetta, con location da sogno e dettagli da rivista.

Entrambi bellissimi, ma… che fine fanno amici e parenti?

Le foto che non si vedono

Se guardiamo i servizi pubblicati online, i volti delle persone più care agli sposi compaiono solo qua e là, spesso colti in momenti spontanei: una risata, un brindisi, un abbraccio. Ma non tutti finiscono nell’album.

Perché mentre la zia scherza con gli sposi, lo zio è in fila al buffet; la nonna preferisce rimanere seduta; i cuginetti corrono a perdifiato tra i tavoli. E qualcuno, lo sappiamo, riesce sempre a schivare la macchina fotografica.

Eppure io amo ritagliarmi del tempo per le foto di gruppo. Per me sono un momento prezioso. Lo propongo sempre agli sposi, anche a chi tentenna: perché credo davvero nell’importanza di ritrarre, tutti insieme, le persone che hanno scelto di esserci quel giorno.

Dopotutto, se le hai invitate, significa che sono parte della tua vita.

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Perché contano davvero

Capisco che possa sembrare un momento “forzato” della giornata, ma in realtà quelle immagini diventano ricordi insostituibili.

Io lo so bene: adoro sfogliare l’album di matrimonio dei miei genitori, anno 1975. Ci sono gli scatti classici – l’arrivo in chiesa, la cerimonia, il taglio della torta – ma soprattutto ci sono le foto con amici e familiari. Guardandole ho potuto scoprire volti che non ho mai conosciuto di persona, e ascoltare le storie legate a quei visi.

È lì che ho capito una cosa: il vero valore delle fotografie non sta solo nell’estetica, ma nel tempo che riescono ad attraversare.

Come dice Robin Williams nel film One Hour Photo:

“Cos’è un ritratto familiare? Significa che qualcuno nella tua vita, in un certo momento, ti ha voluto così bene da volerti fotografare.” - Robin Williams

E come diceva Michele Rebuzzini, grande giornalista e critico fotografico purtroppo scomparso da poco:

“È il senso di una foto ricordo che poi diventa storia e poi diventa racconto, e sicuramente è vita.” - Michele Rebuzzini

Non solo matrimoni

E allora mi chiedo: perché limitarci ai matrimoni?
Le foto di famiglia non dovrebbero essere relegate solo a quell’occasione speciale.

Una foto con i genitori, con i nonni, con i fratelli, con gli amici di sempre. Una foto di coppia che non sia solo per “l’anello al dito”, ma che racconti un pezzo di vita insieme. Una giornata normale che diventa straordinaria proprio perché fissata in un ricordo.

Non servono location da sogno né allestimenti perfetti. Servono solo le persone a cui vuoi bene.

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Conclusione

Se c’è una cosa che ho imparato, è che la fotografia non è mai banale: è memoria che resiste al tempo.
E ogni volta che aprirai quell’album, o quella scatola di foto stampate, ringrazierai di aver dedicato un po’ di tempo a quel momento.

Per questo il mio invito è semplice: non aspettare un matrimonio per creare le tue foto di famiglia.
Regalati l’occasione di fermare un abbraccio, un sorriso, una presenza.
Perché oggi è un ricordo fresco, ma domani sarà un tesoro inestimabile.

A presto, ciao

Monica

Perché parlarne in un contesto fotografico?
Perché il legame tra memoria e fotografia è fortissimo, quasi indissolubile.

La malattia e chi le sta accanto

Per me non è un argomento lontano: è qualcosa che vivo da vicino, ogni giorno. So cosa significa guardare i ricordi sbiadire negli occhi di una persona che ami. È un dolore che lacera, perché ti senti impotente: non puoi fermare quella lenta cancellazione. Ci sono momenti in cui il cuore si ribella, in cui il corpo vorrebbe dire “basta”, ma la realtà resta lì, immutabile.

Con il tempo ho capito che non puoi combattere fino allo sfinimento, perché la malattia è più forte. Quello che puoi fare è cambiare tu: imparare ad accompagnare chi ami in questo percorso spaventoso, soprattutto all’inizio, quando la persona stessa sente che qualcosa non va e ne ha paura.

Non puoi fermare la malattia. Non puoi salvare quella persona. Ma puoi esserci. Puoi stringergli la mano, rassicurarlo con un sorriso, regalargli piccoli momenti di serenità. E col tempo scopri che questi gesti non solo aiutano lui o lei: aiutano anche te.

Imparare ad accogliere il cambiamento

Accettare il cambiamento è durissimo. Ti sembra ingiusto, insopportabile. Poi arriva un momento in cui scatta un clic: smetti di combattere e inizi a vedere quello che di buono resta. Ti accorgi che l’amore incondizionato è più forte della paura.

E così capisci davvero cosa vuol dire vivere nel “qui e ora”. Una frase che abbiamo sentito mille volte, spesso come consiglio filosofico o spirituale, ma che assume un significato completamente diverso quando vivi accanto a chi non ha più ricordi passati e il futuro è un’astrazione. Perché in quella realtà esiste solo l’attimo presente.

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Il ruolo della fotografia

Ed è qui che la fotografia entra in gioco.
Perché se c’è qualcosa che la malattia porta via, la fotografia ci aiuta a custodirlo.

Il senso ultimo della fotografia è proprio questo: creare e conservare ricordi.

Io stessa, se ripenso alla mia infanzia, mi accorgo che molti ricordi li ho grazie alle fotografie. Quelle scatole di cartone piene di stampe, custodite nell’armadio dei miei genitori, che ancora oggi amo sfogliare. Sono immagini che raccontano il volto giovane dei miei genitori, i sorrisi dei miei nonni, persino il volto del nonno che non ho mai conosciuto di persona.

Quegli scatti erano pochi, se confrontati con la quantità enorme di foto che scattiamo oggi con i telefoni. Eppure avevano una forza diversa: erano centrati, significativi, scelti con cura.

Sono quelle immagini che hanno permesso di non perdere pezzi della mia storia, della mia famiglia, di me stessa.

La fragilità dei ricordi digitali

Oggi viviamo nell’illusione che la fotografia digitale ci garantisca di avere tutto sempre con noi. In realtà rischiamo di perdere molto più di quanto pensiamo.
Un guasto tecnico, un cambio di telefono, una cartella dimenticata… e interi anni di ricordi spariscono.

Quante foto stampiamo ancora? Quante trasformiamo in un oggetto tangibile, che possiamo sfogliare, toccare, tramandare?

Se ci fermiamo un attimo a pensarci, ci rendiamo conto che la fotografia non è nata per essere solo “contenuto” da mostrare online, né per ostentare momenti belli. È nata per preservare tracce di vita. Perché un giorno, riguardandole, possiamo ritrovare emozioni, volti, storie che altrimenti andrebbero perdute.

Un invito personale

Parlare di Alzheimer in una newsletter fotografica non è semplice, ma per me era importante. Perché vivere da vicino una malattia che cancella i ricordi ti insegna quanto siano preziosi.

La fotografia è uno degli strumenti più potenti che abbiamo per custodirli. Non solo per noi, ma anche per chi verrà dopo di noi.

Per questo ti invito a dare un valore nuovo alle fotografie della tua vita: stampale, custodiscile, rendile parte della tua storia familiare. Non lasciarle solo in un cloud o in una memoria digitale. Fallo per te, ma anche per chi un giorno le ritroverà e, grazie a quelle immagini, conoscerà un pezzo di te.

Alla fine, la fotografia non è solo un gesto estetico. È un atto d’amore verso la memoria.

Un abbraccio,

Monica

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Sorridere in foto è una regola non detta.
Lo facciamo quasi automaticamente. Appena prima di sentire il click, come un riflesso, le labbra si incurvano. Come se un volto serio, assorto o semplicemente neutro, non fosse “abbastanza”.

Sorridere è diventato un gesto performativo.
Un modo per dire “sto bene”, “sono felice”, “va tutto bene”. Anche quando magari non è vero. Anche quando dentro c’è stanchezza, dubbio, fragilità.

E allora mi chiedo:
Chi sono io quando non sto sorridendo?

Sono ancora me stessa?
Sono meno bella? Meno accogliente? Meno fotografabile?

Un sorriso nato da dentro

Durante una recente vacanza, mi sono trovata di fronte al mare, in un momento tutto mio. Il sole era basso, il vento leggero, il suono delle onde costante. Ho deciso di scattarmi una foto.
E lì, senza pensarci troppo, è nato un sorriso vero. Aperto. Sincero.
Non era per la macchina fotografica.
Era per me.

È in quel momento che ho pensato a tutte le volte in cui, durante un ritratto, mi sono sentita dire:
“Ma devo sorridere?”
E io ho risposto:
“No. Non devi sorridere. Devi solo essere te stessa.”

Lo dico spesso: non c’è nessun obbligo di sorridere in foto.
L’importante è mostrarsi per come si è, in quel preciso istante.
Se nasce un sorriso, è il benvenuto.
Ma se non arriva, va bene lo stesso.
Un’espressione raccolta, seria, intensa… può essere molto più potente di un sorriso forzato.

Il sorriso come automatismo

Mi sono resa conto, ancora una volta, di quanto sia automatico associare il ritratto al sorriso.
Come se ci si sentisse in dovere di apparire “al meglio”.
Come se la foto “venisse meglio” solo se sorridiamo.

Tante persone mi hanno confidato di non sentirsi a proprio agio davanti alla fotocamera.
Di non piacersi, di sentirsi rigide, di non sapere che faccia fare.
E quando arriva quel momento, quello del click, scatta un meccanismo di autodifesa: si sorride. Ma è un sorriso teso, rigido, scollegato da ciò che sentono davvero.
E si vede.

Il sorriso come aspettativa sociale

Non sorridere, soprattutto per una donna, è quasi un atto di rottura.
Una piccola ribellione.
Perché da bambine ci insegnano che dobbiamo essere solari, gentili, educate. E che il sorriso è la nostra arma migliore.

Ma io credo che ci sia una bellezza profonda anche nell’espressione che non compiace, che non deve rassicurare nessuno.
Nel volto che si concede la libertà di essere serio. O triste. O assorto.

È lì che si apre una porta nuova.
Una possibilità diversa di raccontarsi.
Un modo meno filtrato, più viscerale, di mostrarsi.

Non sorridere può essere un atto di libertà.

Un modo per reclamare la possibilità di essere viste per come siamo, non per come dovremmo apparire.

Non sto dicendo che non bisogna sorridere.
Il sorriso vero, quello che nasce da dentro, che rompe il volto e illumina gli occhi, è meraviglioso.
Ma dovrebbe essere una scelta, non un dovere.
Un modo per esprimersi, non per nascondersi.

Così ogni volta che fotografo qualcuno, cerco di creare uno spazio sicuro, dove far sentire accolte, libere, vere.

Uno spazio in cui non ci sia bisogno di sorridere per forza.
In cui anche un’espressione neutra, o pensierosa, o addirittura cupa, possa essere mostrata senza vergogna.

E tu, quante volte ti sei sentita in dovere di sorridere?

Ti sei mai chiesta chi sei quando non stai sorridendo? Ti sei mai concessa una foto in cui il tuo volto non doveva compiacere nessuno?

Provaci.
Guardati allo specchio in un momento di stanchezza, o di quiete.
Senza correggerti, senza sorridere per forza.
Resta lì, con quello che c’è.
Potresti scoprirti più vera di quanto pensavi.

Questa riflessione è nata anche per dare spazio a quei momenti in cui non ce la sentiamo.

Se ti rivedi in queste parole, raccontamelo: mi aiuterà a dare voce anche alla tua storia.

Giugno è arrivato come un tornado, con un caldo anomalo dopo un maggio fresco e piovoso. È il mese in cui finisce la scuola e, almeno sulla carta, tutto dovrebbe rallentare un po’.

Per me è stato un mese pieno.

La prima cosa che mi viene in mente è la conclusione di un laboratorio di fotografia organizzato con Riccardo, un mio ex compagno di liceo (anche lui fotografo) per un piccolo gruppo di bambini di dieci anni nello spettro dell’autismo.

Un’esperienza intensa, che mi ha dato molto in termini di curiosità, soddisfazione e crescita personale e professionale.
Un lavoro quotidiano di ascolto e confronto con le educatrici, per capire l’approccio giusto, come trasmettere la fotografia senza perderli per strada.
E alla fine, una mostra. Una piccola esposizione in cui i bambini hanno potuto raccontare le loro foto ai genitori. I sorrisi, l’orgoglio, la sorpresa.
È stato uno di quei momenti che ti si incolla addosso e resta.

Giugno è stato anche il mese in cui ho rimesso piede nel mondo della fotografia di matrimonio.
Negli ultimi anni avevo lasciato un po’ da parte quel tipo di lavori, ma quando Jennifer mi ha scritto per chiedermi di fotografare il suo rito civile con Mario… ho sentito che dovevo accettare.

Jennifer l’avevo conosciuta anni fa grazie al progetto “Donne di Crema”.
Giovane, determinata, con alle spalle un vissuto tosto. Ricordo ancora il suo ritratto, il sorriso che le è sbocciato sul volto quando le ho chiesto di pensare a qualcosa che la rendesse felice. Allora sognava di diventare psicologa.
Ora quel sogno l’ha realizzato. E mentre mi raccontava del matrimonio, sedute ad un tavolino di un bar, c’era di nuovo quel sorriso autentico e luminoso.
Mi ha detto che non aveva avuto dubbi: voleva me come fotografa. Perché si ricordava come l’avevo fatta sentire durante quel primo ritratto.

E così, una calda mattina di metà giugno, ero al Comune a raccontare in immagini la loro unione.
Un rientro soft, solo qualche ora: il rito, le foto di coppia, gli amici, i parenti.
Devo ammetterlo, è questa la parte dei matrimoni che preferisco. Quella vera. Non le maratone da dodici ore che raccontano tutto e niente.

Amo fotografare i momenti salienti, quelli che restano.
Sfogliando l’album dei miei genitori (1975) mi colpisce quanto fosse tutto più essenziale e potente. Nessun eccesso, solo ciò che conta.
Forse è tempo di tornare anche in fotografia a quell’essenzialità.

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Giugno è stato anche il mese della ripresa di un progetto a cui tengo molto: “Ritratti in ascolto”.
È ripartito con calma. E ho deciso di non avere fretta.
Niente pubblicazioni immediate, niente ansia da “contenuto da condividere”.
Sento il bisogno di un tempo più lento, più intimo.
Come quando si lasciava maturare un progetto senza sbandierarlo.
È un modo diverso di lavorare, e sono curiosa di vedere dove mi porterà.

Infine, un’altra esperienza bella.
Grazie a Raffaella (anche lei conosciuta durante “Donne di Crema”) ho realizzato un servizio fotografico che parlava di amicizia.

Era da tempo che desiderava fare qualche scatto con il suo gruppo di amiche, ma non era mai successo.
Quest’anno, due di loro hanno compiuto cinquant’anni e l’occasione è diventata quella giusta per ritrovarsi.
Le ho viste parlare, ridere, raccontarsi. Sei donne che, tra mille impegni, sono rimaste unite.
Un legame raro.
E ora hanno delle immagini che fermano per sempre un momento leggero e profondo insieme, al tramonto in un parco cittadino.

Amo il mio lavoro anche per questo.
Perché dietro ogni foto ci sono legami, vite che si intrecciano, storie che mi lasciano qualcosa.

Giugno è stata la dimostrazione che, nella piccola realtà di provincia, i legami umani restano la cosa più importante. E che il passaparola funziona ancora meglio dei social.

Ci sono periodi in cui sono un treno in corsa: produco, creo, scrivo, fotografo. Mi sento ispirata, piena di idee, con un obiettivo chiaro in testa. Faccio piani, liste, strategie, e mi sembra tutto perfettamente allineato. In quei momenti mi sento viva, centrata, motivata. E mi piace un sacco questa versione di me.

Poi… succede qualcosa. Un imprevisto, un’interruzione, un dubbio. Basta poco per farmi rallentare. Inizio a mettere in discussione quello che stavo facendo, a trovare falle dove prima vedevo solo entusiasmo. E così, piano piano, mi blocco.

È lì che vado in crisi. Non solo non porto avanti quello che avevo cominciato, ma metto tutto in discussione.
Il classico punto morto.

Ti faccio un esempio concreto: i social.
Ogni tanto mi convinco di volerli usare “come si deve”. Preparo un piano editoriale, creo contenuti con cura, penso a quello che può davvero essere utile o interessante per chi mi segue.
Poi succede qualcosa: leggo un articolo che mi fa cambiare prospettiva, seguo un corso che mi fa mettere in dubbio tutto, o semplicemente entro in un periodo più impegnativo... e mi blocco.

Risultato? Il mio ultimo post su Instagram risale a un paio di mesi fa.

Mi rendo conto che non essere costanti sui social è un errore (almeno, dal punto di vista strategico). Ma… non fa per me.

La verità è che se non vedo risposta o partecipazione, mi smonto. Penso subito: "Ecco, ho perso tempo per niente." E questo pensiero mi frena, mi svuota.

Entro nel solito circolo vizioso:
Pubblico → poca risposta → perdo motivazione → smetto di pubblicare → meno visibilità → e via così.

La verità è che i social non mi fanno bene.
Mi distraggono, mi consumano energia, mi fanno sentire in dovere. E perdo la leggerezza, quella vera. Quella che invece, quando scrivo qui, sento ancora mia.

È successo anche con questa newsletter.
Appena sono approdata su Substack mi sono sentita a casa. Scrivere qui mi ha fatto bene. Mi è sembrato uno spazio più autentico, più intimo.

Poi sono arrivati due mesi belli intensi, e anche qui… silenzio.

Dentro di me ho pensato:
"Ma sì, chi vuoi che se ne accorga?"
"Se nessuno interagisce, forse non interessa davvero a nessuno."

Lo so, sembrano scuse. E forse in parte lo sono.

Ma ci sono momenti in cui si perde la bussola.
Quando non hai un obiettivo chiaro davanti a te, è difficile restare in carreggiata. E non sempre trovarne uno nuovo è la risposta.
A volte serve proprio fermarsi. Prendersi una pausa da tutto per guardare le cose da fuori, con più lucidità.
Solo così, forse, possiamo capire se la strada che stiamo percorrendo è ancora quella giusta.

E se anche tu fatichi ad essere costante...

Ti lascio qui sotto qualche spunto che sto provando ad applicare su di me, magari possono aiutare anche te:

• Scrivi per te, prima che per gli altri.
  Se ti viene voglia di scrivere, fallo anche solo per te. Non deve diventare sempre contenuto.

• Scegli un ritmo sostenibile, non ideale.
  Una volta al mese è meglio di zero. Costanza non vuol dire frequenza, ma continuità.

• Non aspettare l’ispirazione perfetta.
  A volte basta iniziare. Anche solo con una frase. Anche solo con un pensiero imperfetto.

• Crea un contenitore, non un calendario.
  Invece di dire “ogni lunedì”, pensa: “ogni tanto mi concedo questo spazio per raccontarmi”.

• Rendilo leggero.
  Se qualcosa ti pesa troppo… magari non è il modo giusto per te.

Ti ritrovi in tutto questo?
Se ti va, scrivimi.

Mi piacerebbe sapere come vivi tu il tema della costanza, soprattutto quando si parla di creatività e vita vera.

C’è una sensazione che ultimamente ritorna spesso quando scatto un ritratto: un senso di insoddisfazione, sottile ma presente. Guardo le foto e sento che, per quanto possano essere tecnicamente corrette, curate nella luce e nella composizione, manca qualcosa. E con il tempo ho capito che, molto spesso, quel qualcosa... sono io.

Non parlo di vanità né di protagonismo. Parlo di presenza creativa, di quella parte di me che ha un punto di vista, un modo di guardare, un’intenzione. E che a volte, durante lo shooting, resta in secondo piano.

Mi sono chiesta: perché succede?
Perché mi sento come se stessi trattenendo qualcosa, come se stessi seguendo una linea invisibile che mi impedisce di sperimentare, di osare, di fare quello che davvero vorrei?

La risposta è arrivata guardando il lavoro di un altro fotografo (Joel Sternfeld). Un progetto di ritratti realizzati a sconosciuti, incontrati per caso e fotografati così com’erano, nel luogo in cui si trovavano. Volti neutri, posture naturali, a volte imperfette. Nessuna costruzione. Nessuna ricerca del bello.
Eppure, una forza incredibile.

In quelle immagini ho percepito una libertà che ultimamente mi è mancata. Ho pensato: lui può fotografare senza preoccuparsi di come si vedrà la persona ritratta, perché sa che probabilmente quella persona non vedrà mai la foto.

E in quel pensiero ho riconosciuto qualcosa di familiare: il peso del giudizio.
Mi sono resa conto che, spesso, quando fotografo qualcuno, sento la responsabilità implicita di farlo piacere a se stesso. Di restituirgli un’immagine gradevole, lusinghiera, approvabile. E questo influenza le mie scelte. Scelgo tagli più sicuri. Evito pose che potrebbero risultare poco estetiche. Rinuncio a certe idee più personali o “sporche” perché temo che non vengano capite — o peggio, non vengano accettate.

Il risultato?

Un’immagine che, sì, fa piacere a chi è stato fotografato. Ma che a me lascia addosso un piccolo vuoto. Come se avessi fatto bene il mio lavoro... ma senza lasciare davvero il segno. Senza lasciare me.

Non voglio smettere di avere cura di chi fotografo, né rinunciare all’empatia che da sempre guida il mio approccio. Ma sto imparando a riconoscere quando il desiderio di compiacere diventa un limite. Quando il bisogno di approvazione prende il posto dell’espressione.

Valorizzare una persona, dopotutto, non significa nasconderne i tratti più veri. A volte significa accoglierli. Raccontarli con rispetto, ma anche con onestà. E forse la bellezza più profonda sta proprio lì: nella libertà di vedere l’altro — e di vedere me — senza paura.

Perché in ogni ritratto dovrebbe esserci anche chi guarda. E se manca chi guarda, manca tutto.

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Viviamo (e fotografiamo) in vetrina

Un’altra cosa che mi sono resa conto di quanto influisca sul mio modo di fotografare è il contesto in cui viviamo oggi: tutto viene condiviso. Subito. Ogni scatto ha come destinazione potenziale i social. E per molte persone — giustamente o no — il ritratto non è più solo un ricordo, un documento, un’occasione creativa. È una vetrina.

Un luogo in cui mettersi in mostra, raccogliere approvazioni, sentirsi validati. E io, come fotografa, sento questo peso sulle spalle. È come se ogni foto dovesse funzionare per il feed, essere bella nel modo giusto, dire al mondo: “Guardami.”

Così mi ritrovo a scattare con una voce nella testa che sussurra:

“Deve piacere a lei. Ma anche ai suoi follower.”
“Deve essere bella. Esteticamente bella. Impeccabile.”

E in tutto questo, mi accorgo che il mio sguardo si fa più timido. Più strategico. Più compiacente.

È un meccanismo subdolo, perché non c'è nulla di male nel desiderare una bella foto, o nel condividerla. Ma io sento che questo contesto ha cambiato qualcosa nel mio modo di stare dietro la macchina. Anni fa scattavo per cercare, per crescere, per il puro gusto di provare. Ora, troppo spesso, mi sento come se dovessi “azzeccare la foto da post”.

E allora mi dico che forse il punto non è combattere questa realtà — ormai fa parte del nostro tempo.
Ma è tornare a difendere almeno uno spazio creativo tutto mio, dentro ogni scatto.
Anche solo un taglio, un’espressione, un momento che parli davvero il mio linguaggio.
Una porzione di ritratto che non cerca like, ma verità.

Conclusione

Non c’è nulla di sbagliato nel voler piacere. Né nel voler essere apprezzati, sui social o dal vivo. Succede a chi è davanti all’obiettivo, ma anche — più silenziosamente — a chi sta dietro.

Il punto, però, è riuscire a non perdersi.
Non dimenticare che il motivo per cui abbiamo iniziato a scattare non era ottenere consensi, ma cercare un linguaggio. Esplorare uno sguardo. Raccontare qualcosa di vero.

Oggi tutto è più veloce, più visibile, più esposto. E fotografare, anche un semplice ritratto, può diventare una prestazione. Ma io non voglio che la mia fotografia diventi solo questo. Voglio restare dentro ogni immagine che creo. Anche a costo di essere un po’ imperfetta.
Anche a costo che non piaccia a tutti.

Perché se in un ritratto manco io, quel ritratto — per quanto bello — non mi appartiene davvero.

E io voglio ricominciare a riconoscermi in ciò che faccio.

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È quello spazio vuoto tra uno scatto e l’altro.
Quel piccolo istante sospeso, dove nessuno “sta in posa”, dove il corpo si rilassa, lo sguardo si abbassa o si perde lontano, le mani smettono di cercare una posizione “giusta” e tornano semplicemente a essere mani.

È un momento che non si programma e che non si dirige.
Succede, e basta.
Ed è lì che nasce la magia.

Quando la persona davanti all’obiettivo smette, anche solo per un attimo, di controllare la propria immagine, accade qualcosa di profondo: emerge una verità.
Una piega sulle labbra che non era prevista, un’espressione distratta, una risata appena trattenuta.
Sono frammenti di autenticità che raccontano molto più di qualsiasi posa costruita.

In quello spazio vuoto, c’è spazio per essere.
Senza filtri.
Senza performance.
Senza la pressione di “venire bene”.

Ed è proprio in quei momenti che mi sento davvero al mio posto: quando riesco a cogliere ciò che è vero, vivo, spontaneo.
Perché la fotografia, per me, non è mai stata solo estetica. È presenza. È relazione.
È saper vedere — e farsi vedere — anche (e soprattutto) nei dettagli imperfetti.

Spesso chi si affida a me per un ritratto arriva con tante insicurezze.
Non sa bene come mettersi, teme di non piacersi nelle foto, vorrebbe essere guidata in ogni gesto.
Io sono lì per accompagnarla, certo.
Ma so che il momento più potente arriverà quando smetterà di cercare la foto perfetta… e inizierà semplicemente a esserci.

Se c’è un dono che la fotografia può fare, è questo: offrirti uno spazio dove non devi fare nulla, solo esserci.
E fidarti che, in quello spazio vuoto tra uno scatto e l’altro, succede qualcosa di vero.
E meravigliosamente tuo.

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Nella newsletter di oggi parliamo di sguardo.
Lo sguardo di una persona è ciò che la rende unica — ed è, al momento, ciò che la rende ancora riconoscibile rispetto alle immagini generate dall’AI.

Ne parlavo proprio ieri sera con il mio compagno.
Anche quando i ritratti generati artificialmente sono tecnicamente impeccabili, e magari a un primo sguardo sembrano perfetti, manca sempre qualcosa. Manca quella scintilla di vita che esiste solo negli occhi di una persona reale.

Non tutti ce l’hanno, è vero. Alcuni hanno lo sguardo perso, vuoto, distante.
Ma in molti altri c’è una sfumatura, sottile ma inconfondibile, che rende lo sguardo vivo — anche quando è triste, anche quando è stanco.

E questo confronto con lui mi ha fatto nascere una riflessione.

Quando una persona si mette davanti all’obiettivo, non mostra solo il suo volto.
Mostra il modo in cui si vede, si sente, si racconta.

Anche se non ce ne accorgiamo, lo sguardo che mostriamo in foto è plasmato da quello che pensiamo di noi stesse:

– se ci sentiamo a disagio, si vede
– se siamo abituatə a nasconderci, lo sguardo si chiude
– se stiamo imparando ad accoglierci, quello sguardo si addolcisce

Lo sguardo che ci portiamo dentro ha il potere di modellare il nostro volto, la nostra postura, la nostra presenza. Ci hai mai fatto caso?

Nel mio lavoro fotografico, non mi interessa solo "far venire bene" una persona.
Mi interessa cogliere qualcosa di vero: uno sguardo che racconta, anche in silenzio.

E per farlo, non bastano luci, pose o trucco. Serve tempo. Fiducia. Ascolto.
Serve spazio per respirare, per essere, per sciogliere il giudizio.

Spesso, il momento più potente non è il primo scatto. È quello che arriva dopo.
Quando la persona smette di “posare” e inizia a guardare davvero. Verso l’obiettivo, sì. Ma soprattutto, verso sé stessa.

E tu?

Ti sei mai chiestə cosa si legge nei tuoi occhi quando ti scattano una foto?
Non parlo di bellezza, ma di verità.

Perché a volte, è proprio in quel riflesso che ci accorgiamo se ci stiamo trattando con dolcezza o ancora con giudizio.

Che cosa racconta il tuo sguardo, oggi?

Se ti va, lasciami il tuo pensiero qui sotto, mi fa molto piacere leggere le vostre opinioni, grazie!

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Farsi fotografare dovrebbe essere un’esperienza piacevole, un momento in cui sentirsi bene con sé stesse e riscoprire la propria bellezza. Eppure, la maggior parte delle persone commette un errore che rischia di rovinare l’esperienza ancor prima che inizi.

Sai qual è?

Prepararsi troppo… o troppo poco.

Sembra contraddittorio, vero? Ma è proprio così: molte persone si avvicinano a un servizio fotografico con la convinzione di dover essere "perfette", mentre altre arrivano senza la minima preparazione, pensando che tutto dipenderà dal fotografo. In entrambi i casi, il risultato rischia di non essere quello desiderato.

Vediamo perché e come trovare il giusto equilibrio per ottenere ritratti autentici e valorizzanti.

1. Il rischio di prepararsi troppo

C'è chi, prima di un servizio fotografico, sente la pressione di dover apparire al meglio e finisce per esagerare con:

• Trucco eccessivo: Un make-up troppo pesante può far sentire la persona "mascherata" e poco riconoscibile. Meglio puntare su un trucco che esalti la bellezza naturale

• Acconciature elaborate: Capelli troppo costruiti possono risultare rigidi nelle foto. Meglio una piega morbida e naturale, che si adatti ai movimenti spontanei

• Abiti scelti solo per "fare scena": Indossare qualcosa di molto diverso dal proprio stile quotidiano può far sentire a disagio. Se non ti senti te stessa nei vestiti che indossi, questo si rifletterà nelle foto

• Dieta o esercizio fisico dell’ultimo minuto: Cercare di "rimediare" a qualche insicurezza pochi giorni prima della sessione può generare stress e frustrazione, rendendo più difficile rilassarsi davanti all'obiettivo

Il risultato? Un servizio fotografico che sembra "finto", in cui la persona non si riconosce nelle immagini finali.

Come evitare questo errore?

La chiave è essere sé stesse. Prepararsi con cura è importante, ma senza snaturarsi. Scegli un trucco che ti faccia sentire bella, un abbigliamento che ti rappresenti e, soprattutto, affronta la sessione con serenità.

2. Il rischio di non prepararsi affatto

All'opposto, c’è chi arriva a un servizio fotografico pensando che "tanto fa tutto il fotografo". Questo può portare a scelte dell’ultimo minuto, come per esempio indossare un capo a caso senza pensare se valorizza la propria figura oppure no. Sottovalutare il potere del trucco e dell’acconciatura, infatti anche un make-up leggero può fare la differenza per dare luminosità al viso. Oppure non considerare la location e la luce: i colori e i tessuti reagiscono in modo diverso a seconda che si scatti in studio o all’aperto (ci avevi mai pensato?)

Il problema di tutto questo? Sentirsi insicuri o poco a proprio agio durante lo shooting.

Anche se il fotografo ti guiderà in ogni fase, un minimo di preparazione aiuta a sentirsi più sicure e rilassate. Senza stress, ma con consapevolezza.

3. Il giusto equilibrio per un servizio fotografico perfetto

Vediamo ora COSA FARE PRIMA del servizio fotografico

• Scegli abiti in cui ti senti bene e che valorizzino il tuo incarnato e la tua fisicità. Sulla scelta degli abiti migliori ho scritto un articolo, clicca qui per approfondire l’argomento.

• Opta per un trucco naturale o professionale, ma senza esagerare. Puoi decidere di realizzarlo tu stessa, oppure scegliere di affidarti alle mani esperte di una professionista del settore che saprà valorizzarti al meglio e soprattutto studiare un trucco ad hoc per un servizio fotografico.

• Se vuoi cambiare acconciatura, prova il nuovo look qualche giorno prima per assicurarti che ti piaccia. Sarebbe un rischio stravolgere il proprio look il giorno dei ritratti perché se qualcosa non ti convince perché il look scelto è molto diverso dal tuo solito aspetto abituale, rischierai di sentirti ancora di più a disagio.

• Se il servizio è all’aperto, prediligi colori chiari e tonalità naturali, evitando il nero che può risultare troppo cupo, a meno che tu non abbia solo capi neri nel tuo guardaroba. In quel caso sarebbe una forzatura chiederti di indossare capi chiari e non saresti a tuo agio. Se al contrario il nero non è il solo colore del tuo guardaroba, prediligi abiti delicati e magari con fantasie fiorate e delicate.

• Concediti qualche momento di relax prima della sessione: una passeggiata, una tisana, una playlist rilassante. Se puoi, non arrivare di corsa al servizio fotografico, ma ritagliati del tempo per te stessa in modo da arrivare più rilassata e meno trafelata.

Vediamo ora COSA NON FARE PRIMA del servizio fotografico

• Cambiare drasticamente look all’ultimo minuto. Come detto prima, se vuoi fare delle prove falle nei giorni precedenti. Il giorno del servizio devi sentirti a tuo agio con la tua immagine.

• Indossare qualcosa che non ti rappresenta solo perché “sta bene in foto”. Se hai uno stile dark, non scegliere abiti con i fiorellini perché il rischio è che ti si legga in faccia il disagio che provi per quel cambio drastico. Parla con il/la fotografo/a e trovate una soluzione che funzioni per tutti.

• Focalizzarti sui tuoi difetti: il fotografo saprà valorizzarti nel modo migliore. La cosa peggiore è che durante il servizio il tuo pensiero sia fisso sui tuoi difetti. Questo non farà altro che rendere il tuo viso teso e il tuo sguardo preoccupato. Respira e pensa ai tuoi pregi e a cosa belle.

• Stressarti troppo: la fotografia è un’esperienza da vivere con leggerezza! Non preoccuparti del risultato finale ma goditi il momento, ascolta le sensazioni che provi e prova a lasciare andare i brutti pensieri. Vivi il qui ed ora.

Conclusione: vivi il servizio fotografico con serenità

L’errore più grande prima di farsi fotografare è non sentirsi a proprio agio già prima di iniziare. Un servizio fotografico non è una prova da superare, ma un’esperienza da vivere con naturalezza.

Se ti affidi a un professionista che sa metterti a tuo agio, che ti guida con dolcezza e che valorizza la tua bellezza autentica, il risultato sarà sorprendente: foto che raccontano chi sei davvero, senza forzature.

Hai mai fatto un servizio fotografico? Come ti sei sentita? Raccontamelo nei commenti!

Se vuoi vivere un’esperienza fotografica che ti faccia sentire davvero a tuo agio, scrivimi e creiamo insieme immagini che parlano di te.

Scrivimi

Per anni ho fotografato per il mercato: oggetti, ambienti, modelle pensate per vendere qualcos'altro.

Tutto curato, tutto studiato. Eppure, spesso, mancava qualcosa. Qualcuno.

Quella persona dietro il prodotto. Dietro il ruolo. Dietro la posa.

A un certo punto ho sentito che non mi bastava più.

Avevo bisogno di una connessione più vera, più diretta. Una fotografia che non partisse da un brief, ma da un respiro.

Dagli occhi.

Da quel micro-secondo in cui qualcuno smette di recitare e si mostra davvero.

Così ho fatto un passo di lato — o forse un passo dentro.

Dentro l’incontro.

Oggi il ritratto per me non è un servizio fotografico.

È un gesto. Un tempo condiviso.

Un modo di dire “ti vedo” in silenzio.

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In questa newsletter ti parlerò anche di quello — sì, ti darò qualche consiglio se ti stai preparando a farti fotografare, o vuoi sentirti più a tuo agio davanti a un obiettivo, oppure sei tu ad essere dietro la macchina fotografica, in ascolto.

Ma soprattutto, vorrei che questo fosse uno spazio dove poter condividere pensieri più intimi.

Quelli che spesso non trovano posto su un sito, né in un post Instagram.

Quelli che sono buttati fuori di getto, senza pensare ai numeri e alle conversioni.

Quelli che parlano di identità, di immagine, di fiducia, di fragilità.

E di cosa succede quando smettiamo di mostrarci… per iniziare a rivelarci.

È una strada nuova, anche per me.

Ma è la più sincera che abbia mai percorso.

E se ti va di camminarla insieme, sei nel posto giusto.

A presto,
Monica

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La chiave per ottenere pose naturali è guidare senza forzare. Il tuo compito non è solo scattare, ma anche creare un ambiente rilassato in cui il soggetto possa esprimersi senza sentirsi a disagio. Ecco alcune tecniche che uso sempre per ottenere scatti spontanei e autentici.

1. Crea un’atmosfera rilassata

Prima ancora di iniziare a scattare, prenditi del tempo per chiacchierare con la persona che stai fotografando. Non buttarti subito nel "mettiti così, fai questo". Parla, scherza, crea un momento di connessione. Un soggetto a suo agio trasmette emozioni reali e genuine.

2. Fai muovere il soggetto

Il movimento aiuta tantissimo a rilassare il corpo. Invece di far stare la persona ferma, falle fare piccoli gesti naturali, come per esempio camminare lentamente verso di te, o sistemarsi i capelli o i vestiti, girarsi leggermente e poi guardare in camera, oppure giocare con un accessorio (una collana, un braccialetto, i capelli…).

Questi movimenti rompono la rigidità e rendono la posa più spontanea. Non per forza devi usare quelle foto se non c’entrano nulla col tuo stile, ma ti saranno utili per far in modo che la persona si rilassi mentre fa quel gesto e le sue mani saranno naturali anche pochissimi istanti dopo che avrà terminato quel gesto, quello è il momento ideale per scattare.

3. Dai indicazioni semplici e fluide

Evita di dare istruzioni complicate. Se dici "Inclina leggermente il viso a destra, abbassa la spalla sinistra, sposta il peso sulla gamba destra, ma mantieni la schiena dritta…" il risultato sarà solo confusione. Prova a metterti al suo posto: tu saresti rilassato o sul tuo viso comparirebbe un enorme punto di domanda?

Scommetto che saresti confuso anche tu davanti a tutte queste indicazioni. La semplicità è sempre la soluzione migliore. Al posto di istruzioni complicate, è meglio usare indicazioni più semplici, che puntino magari sull’immaginazione. Per esempio: "Prova a rilassarti come se stessi chiacchierando con un’amica.” Oppure: "Immagina di essere immersa nei tuoi pensieri.” Una che funziona spesso è: "Fai un respiro profondo e lasciati andare.” Sai perché funziona? Perché molto spesso le persone davanti ad una fotocamera trattengono il fiato senza accorgersene.

Questi suggerimenti che magari ti appaiono banali stimolano reazioni naturali senza far sentire la persona sotto esame.

4. Lavora sulle emozioni, non solo sulle pose

Una foto non è solo una questione di postura, ma anche di emozione. Se vuoi espressioni autentiche, trova modi per far emergere un’emozione sincera. Chiedere ad una persona di mostrarsi felice non funziona, devi portarla a quello stato emotivo e mentale. Sfrutta il dialogo per creare il clima ideale per i tuoi ritratti, oppure crea una piccola storia da immaginare, come per esempio "Stai aspettando una persona speciale e la vedi arrivare da lontano.” Il sorriso le nascerà spontaneo e l’espressione che ne verrà fuori sarà molto più naturale di un "Ok, sorridi!"

5. Osserva e cogli i momenti tra una posa e l’altra

Spesso le pose migliori arrivano quando il soggetto pensa che non stai scattando. Quel momento in cui si rilassa tra un click e l’altro, o in cui ride spontaneamente dopo un piccolo errore. Tieni sempre la macchina pronta, perché è lì che nascono gli scatti più autentici!

6. Non cercare la perfezione, ma la naturalezza

A volte siamo troppo concentrati sui dettagli tecnici e perdiamo di vista l’essenza della foto. Un ritratto perfettamente in posa può sembrare freddo e artefatto. Invece, un sorriso leggermente imperfetto o uno sguardo fuori camera possono raccontare molto di più. Lasciati andare e goditi anche tu il momento, e vedrai che il ritratto che volevi uscirà.

Conclusione

Guidare il soggetto senza forzarlo è un’arte che si affina con il tempo e l’esperienza. Più riesci a mettere la persona a suo agio, più le tue foto saranno vive e coinvolgenti.

La prossima volta che scatti un ritratto, prova a concentrarti più sulle emozioni e meno sulla "posa perfetta". Ti sorprenderai di quanto possa fare la differenza!

Hai mai avuto difficoltà nel far posare qualcuno in modo naturale? Raccontamelo nei commenti!

Nota sul ritratto nell’articolo

Seppure potrebbe sembrare una scelta dettata da me, la posa interpretata dal ragazzo in foto, è stata il frutto di un suo movimento spontaneo e naturale, intrecciare le braccia e le mani per coprirsi il volto. Da parte mia, c’era stata l’indicazione di muoversi liberamente sulle note della musica che stavamo ascoltando e in maniera molto spontanea gli è nata questa idea.

P.S.

Se ti piacciono questi tipi di contenuti e vuoi riceverne altri, puoi iscriverti alla mia newsletter (è gratuita!) oppure condividerla con chi ama scattare — o farsi fotografare.

Oggi voglio raccontarti proprio una di quelle volte.

Il servizio fotografico che non è andato come speravo

Maria — nome di fantasia — è la mamma di un mio amico. Una donna riservata, elegante, un po’ introversa.
Un giorno, spinta da un periodo positivo della sua vita e da un nuovo compagno che la incoraggiava a vedersi più bella, decide di regalarsi un ritratto. E si rivolge a me.

Quando mi ha contattata, le ho chiesto che tipo di immagini avesse in mente.
Mi ha mostrato degli esempi: alcuni in linea con il mio stile naturale, altri più costruiti, con pose più “studiate”.

Ora, chi fotografa lo sa: replicare una posa vista su Pinterest o Instagram sembra semplice, ma in realtà è complicato.
Specie se chi è davanti all’obiettivo non ha esperienza. Il rischio è un effetto rigido, forzato. La spontaneità si perde, e con lei anche l’anima dello scatto.

Un inizio in salita

Il giorno del servizio ho organizzato tutto: trucco, set, musica.
Durante la fase del make-up cerco sempre di chiacchierare con la persona, per allentare la tensione. Ma con Maria… niente.
Era chiusa, distante.
Ogni tentativo di creare sintonia rimbalzava come contro un muro.

Così mi sono allontanata. Ho iniziato a preparare le luci, posizionare i pannelli, sistemare le impostazioni della fotocamera.
L’ho osservata da lontano, sperando che quel piccolo spazio l’aiutasse a rilassarsi.

Quando abbiamo iniziato a scattare, però, la tensione era di nuovo lì.
Le spalle rigide, lo sguardo trattenuto.
Ho provato con la musica che le piaceva, con le immagini d’esempio, con piccoli movimenti per scioglierla.
Ma era come cercare di entrare in una casa senza porte.

Il muro

Ho cambiato abiti, luce, fondale e nel mentre ho continuato a parlarle, a rassicurarla, a cercare di leggere i suoi gesti, il suo viso.
Ma quel muro che ci separava non si è mai abbassato.

E alla fine, le foto che ho scattato… sì, erano belle, tecnicamente corrette, ben composte, esteticamente valide, ma non raccontavano lei.

La conferma

Quando le ho consegnato le immagini, non si è piaciuta.
Me lo aspettavo.
Non perché fosse venuta male — anzi — ma perché non si riconosceva.
E un ritratto, quando riesce davvero, dovrebbe fare questo: mettere a fuoco una parte autentica di sé.
Magari anche inaspettata. Ma vera.

Parlando poi con suo figlio, ho avuto la conferma: Maria non era pronta.
Non sapeva davvero perché volesse quelle foto.
Non aveva un’intenzione chiara, né il desiderio di aprirsi davanti a un obiettivo.

E io?
Beh, anche io ho avuto la mia parte di responsabilità.
Forse non ho indagato abbastanza il suo “perché” prima ancora di fissare la data del servizio.
Forse ho dato per scontato che bastasse voler “vedersi bella”.

Ma volersi vedere e volersi raccontare sono due cose molto diverse.

La lezione (che voglio condividere con te)

Se ami fotografare le persone — anche se lo fai da amatore, anche se è “solo per passione” — prima o poi ti capiterà un ritratto così.
Uno in cui, nonostante tutto il tuo impegno, la connessione non nasce.
E allora puoi fare solo una cosa: accettarlo.
Non come fallimento, ma come parte del percorso.

Perché un ritratto vero richiede fiducia.
Richiede che la persona davanti a te sia disposta a mostrarsi, almeno un po’.
E se non succede, non sempre è colpa tua.

Ci sono muri che non si lasciano attraversare.
E va bene così.

Quello che però puoi fare — e che io ho imparato a non saltare mai — è chiedere:

"Perché vuoi queste foto?"

“Cosa stai cercando davvero?”
Un ricordo, una conferma, un cambiamento, una piccola liberazione?

A volte basta quella domanda per cambiare tutto.

E tu?

Ti è mai capitato qualcosa di simile?
Hai mai fatto fatica a connetterti con chi avevi davanti alla macchina fotografica?
O magari sei stato tu, dall’altra parte dell’obiettivo, a sentirti bloccato, non rappresentato?

Se ti va, scrivimi nei commenti.
Mi farebbe davvero piacere ascoltare anche la tua esperienza.

A presto,
Monica

P.S.

Se ti piacciono queste storie dal dietro le quinte della fotografia e vuoi riceverne altre, puoi iscriverti alla mia newsletter (è gratuita!) oppure condividerla con chi ama scattare — o farsi fotografare.

Viviamo in un mondo in cui l’immagine ha un ruolo predominante, eppure molte donne faticano a sentirsi a proprio agio nel loro corpo. Specchi e fotografie diventano spesso strumenti di autocritica anziché di celebrazione.

Come fotografa specializzata nel ritratto femminile, ho imparato che il mio lavoro non è solo scattare foto, ma aiutare le donne a riscoprirsi, a vedersi con occhi nuovi, senza filtri di giudizio e insicurezze. La fotografia può diventare un mezzo per cambiare la percezione di sé, per riconnettersi con il proprio corpo e per riscoprire una bellezza più autentica e meno condizionata dagli stereotipi.

Perché facciamo fatica a sentirci bene con il nostro corpo?

Gran parte della colpa è degli standard di bellezza irraggiungibili che ci vengono imposti. Siamo bombardate da immagini di corpi perfetti e ritoccati, e finiamo per confrontarci con qualcosa che non esiste.

Ma non è solo una questione estetica. Il modo in cui ci vediamo è influenzato da tanti fattori: esperienze personali, commenti ricevuti, confronti con le altre. Lo psicologo Paul Schilder* parlava di "immagine corporea" per indicare la percezione che abbiamo di noi stesse. Il problema è che questa immagine è spesso distorta: ci fissiamo sui difetti e ignoriamo tutto il resto.

*(Schilder, P. (1950). The Image and Appearance of the Human Body)

Inoltre, secondo lo psicologo Leon Festinger*, tendiamo a confrontarci continuamente con gli altri. Se però il confronto avviene con modelli irrealistici (vedi social, riviste, ecc.), finiamo per sentirci sempre inadeguate.

*(Festinger, L. (1954). A Theory of Social Comparison Processes)

Un altro aspetto importante è che il nostro cervello non ci aiuta: c’è un fenomeno chiamato "attenzione selettiva"*, per cui ci fissiamo sugli aspetti che consideriamo difetti, ignorando il resto. È per questo che ci sembra che tutti vedano quella ruga o quel chilo in più… quando in realtà nessuno ci fa caso.

*(Broadbent, D. E. (1958). Perception and Communication)

Come la fotografia può aiutarci a vederci con occhi nuovi

Una foto può cambiare il modo in cui ci vediamo. Non parlo di filtri o ritocchi, ma di un ritratto che ci mostri per come siamo, senza le solite insicurezze a offuscare la visione.

C’è una teoria, chiamata "Io riflesso", che dice che la nostra autostima è influenzata da come pensiamo di essere viste dagli altri (Cooley, C. H. (1902). Human Nature and the Social Order). Spesso, però, questa percezione è distorta: ci convinciamo di essere meno belle, meno interessanti, meno tutto.

Credo che qui sia importante rileggere la frase “la nostra autostima è influenzata da come pensiamo di essere viste dagli altri” e sottolineare il punto in cui afferma “…come pensiamo di essere viste dagli altri”. Sono quindi la nostra percezione e il nostro timore di non essere all’altezza, che ci fanno pensare che gli altri ci stiano giudicano male, quando in realtà siamo noi le prime a farlo.

È molto utile riflettere su questo punto e tenerlo ben presente ogni volta che un pensiero negativo ci passa per la mente. È frutto di un comportamento reale dell’altro nei nostri confronti o è solo una nostra supposizione falsata dalla nostra insicurezza? Perché spesso è proprio il secondo caso.

Un ritratto può aiutarci a ribaltare questa idea. Dopo una sessione fotografica, tante donne mi dicono: "Non mi ero mai vista così", oppure “È incredibile come mi senta meglio e mi veda più bella, dopo aver fatto questi ritratti”.

È come se un ritratto riuscisse a mostrarci un lato di noi che da sole facciamo fatica a vedere.

I momenti in cui ci sentiamo davvero noi stesse

Se ci pensiamo, i momenti in cui ci sentiamo più belle non sono quelli in cui siamo perfettamente truccate o vestite alla moda. Sono quelli in cui ci sentiamo libere: quando balliamo senza pensieri, ridiamo di cuore, facciamo qualcosa che ci appassiona.

Quando una donna arriva nel mio studio, spesso è piena di insicurezze. Alcune si scusano addirittura per il loro aspetto! Ma poi, man mano che la sessione procede, qualcosa cambia. Quando smettono di preoccuparsi di come appaiono e iniziano a godersi il momento, diventano più luminose. Il loro sguardo si rilassa, il sorriso si fa spontaneo, la postura si apre.

È lì che accade la magia.

Accettarsi per come si è oggi

Sentirsi bene nel proprio corpo non è una meta da raggiungere, ma un percorso. Ci saranno giorni in cui ci piacciamo e giorni in cui no, ed è normale. L’importante è smettere di rimandare la felicità a quando saremo “diverse” (più magre, più toniche, più…)

Dobbiamo imparare a concentrarci sul presente, ad accettarci senza giudizio e a goderci quel breve istante che non tornerà più. Invece di fissarci su ciò che vorremmo cambiare, possiamo imparare a notare ciò che ci rende uniche.

Non è facile, ma è possibile. E a volte, basta una fotografia per aiutarci a vederci con più amore.

La fotografia come specchio di sé

Attraverso un ritratto, possiamo vederci in modo più autentico, senza i filtri della nostra autocritica. La fotografia ha il potere di restituirci un’immagine di noi stesse più equilibrata, più vera.

Come fotografa, il mio obiettivo non è solo scattare belle immagini, ma creare uno spazio sicuro in cui ogni donna possa sentirsi vista e valorizzata.

Perché la bellezza non è questione di misure o perfezione. È energia, autenticità, luce interiore.

Conclusione

Se c’è una cosa che ho imparato con il mio lavoro, è che ogni donna merita di vedersi con più amore e meno giudizio. Un ritratto può essere un piccolo passo verso questa consapevolezza.

Perché la vera bellezza non è qualcosa che dobbiamo inseguire. È qualcosa che possiamo imparare a riconoscere in noi stesse, qui e ora.

Se vuoi vivere questa esperienza e riscoprirti attraverso un ritratto, contattami. Insieme possiamo creare immagini che raccontino chi sei davvero.

Scrivimi

Molte persone immaginano un servizio fotografico come un’esperienza stressante: pose rigide, sorrisi forzati, l’ansia di non sapere come muoversi davanti all’obiettivo. In realtà, un buon servizio di ritratto non è nulla di tutto questo!

Il mio obiettivo, come fotografa di ritratti, è creare un ambiente rilassato e accogliente, dove ogni donna possa sentirsi sé stessa e vivere questa esperienza con serenità e piacere. Ecco cosa succede passo dopo passo!

Accoglienza e preparazione: creare un ambiente confortevole

Appena arrivi in studio (o nel luogo scelto per il servizio), il primo passo è metterti a tuo agio, iniziamo quindi a chiacchierare un po’ parlando anche delle tue aspettative. Se hai timori o insicurezze, è il momento giusto per condividerli: il mio compito è aiutarti a sentirti al meglio!

Suggerimento: indossa qualcosa in cui ti senti bene già dall’arrivo, anche prima di cambiarti per gli scatti. La comodità influisce sull’umore!

Scelta dell’outfit e styling: valorizzare la tua unicità

Se non hai già deciso cosa indossare, valutiamo insieme gli outfit più adatti. L’idea è scegliere abiti che ti rappresentino, valorizzino la tua figura e si adattino allo stile delle foto. Puoi leggere qui l’articolo dedicato alla scelta degli abiti.

• Se il servizio è all’aperto, meglio evitare colori troppo scuri come il nero, prediligendo tonalità naturali che armonizzano con l’ambiente.

• Se il servizio è in studio, puoi giocare con colori più decisi e look più strutturati.

In questa fase, se previsto, può intervenire anche una make-up artist per un trucco naturale che esalti i tuoi tratti senza snaturarli.

Consiglio: il trucco fotografico è diverso dal trucco quotidiano. Anche se vuoi un effetto naturale, una leggera base opacizzante aiuta a uniformare l’incarnato sotto le luci. Inoltre l’occhio attento di un truccatrice professionista può valorizzare il tuo viso in modo naturale senza stravolgerti!

Prime foto: rompere il ghiaccio

Ora arriva il momento più temuto da molte: le prime foto! Ma niente panico, il mio compito è guidarti in ogni momento. Partiamo con scatti semplici, senza pose forzate, chiacchierando, in modo che tu possa abituarti alla fotocamera.

Curiosità: dopo i primi cinque minuti di foto, la maggior parte delle persone si rilassa e si dimentica della macchina fotografica!

Guidarti nelle pose: naturalezza prima di tutto

Non serve sapere come posare, ci sono io per quello! Ti suggerisco movimenti e posture che valorizzino il tuo viso e il tuo corpo, sempre rispettando la tua personalità.

• Evitiamo pose rigide: meglio movimenti fluidi e naturali

• La postura è fondamentale: piccole correzioni possono fare una grande differenza

• Lo sguardo: a volte guarderai l’obiettivo, altre volte no, dipende dal tipo di ritratto che vogliamo ottenere

Trucco anti-imbarazzo: se ti senti a disagio, concentrati sul respiro e prova a muoverti lentamente tra uno scatto e l’altro. Il movimento aiuta a rilassarsi!

Il momento clou: quando inizi a vederti davvero!

Dopo qualche scatto, inizierò a mostrarti alcune immagini dalla fotocamera. Questo aiuta moltissimo a prendere fiducia! Spesso mi sento dire: "Non mi ero mai vista così". Guardare le foto in anteprima permette di correggere piccoli dettagli, ma soprattutto di vedere subito la bellezza e l’autenticità del tuo ritratto.

Piccolo segreto: più ti rilassi, più le espressioni diventano naturali e potenti.

Conclusione e selezione degli scatti migliori

Dopo la fase di scatti, ti mostrerò alcune immagini che ritengo più riuscite per capire se siamo allineate e quelle saranno le foto da post produrre.

Terminato il servizio, lavorerò sulle foto per una post produzione che esalti la luce, i colori e la naturalezza, senza stravolgere la tua immagine. Niente ritocchi esagerati: l’obiettivo è che tu ti riconosca, nella tua versione più autentica e luminosa.

Un’esperienza da vivere con leggerezza

Un servizio fotografico non deve essere fonte di stress, anzi! È un momento da vivere come un regalo per te stessa, un’occasione per vederti con occhi nuovi e riscoprire la tua bellezza naturale.

Hai mai fatto un servizio fotografico? Come ti sei sentita? Raccontamelo nei commenti!

Se invece vuoi vivere questa esperienza, contattami per prenotare il tuo ritratto.

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